インスタレーション アートのフロンティア
草間彌生もオノヨーコも
インスタレーションアートは1950年代後半から1960年代前半にかけて絵画や彫刻といった伝統的なメディアの限界を超えようとするアーティストたちによって、現代美術の一ジャンルとして誕生した没入型のアートです。
彼らは鑑賞者を受動的な観察者ではなくより直接的に作品に関与させ、能動的な参加者にしようとしました。
ある意味でそれは芸術作品を遠くから鑑賞するための有形物という考え方からの転換でした。客観的な有形物のアートと異なり、インスタレーションアートは特定の空間環境の中で鑑賞者が体験することに重きを置いています。
こちらは代表的なインスタレーションともいえる、草間彌生のインフィニティミラードルーム
インスタレーションのコンセプトは、鑑賞者のために完全で制御された環境を作り出すことです。
アートは立体的であり、空間の認識を変えるように設計されていることがあります。
要するにインスタレーションの配置とそれが占める空間は作品自体の重要な構成要素なのです。
そしてインスタレーションに使用される実際のアイテムは、日用品、ビデオやサウンドなどのマルチメディアコンポーネント、あるいは観客自身など、何でもあり得ます。
初期のパイオニアは1950年代後半に「エンバイロメント」の制作を開始したアラン・カプロウです。
彼の作品は没入型であり、しばしば鑑賞者が作品の中を歩き、作品と対話することを要求しました。また、クレス・オルデンバーグ（Claes Oldenburg）の特大で柔らかい彫刻や、既に述べた上記の草間彌生（Yayoi Kusama）の鏡と光で満たされた「インフィニティ・ルーム」なども、このアートフォームの初期の貢献者です。
また、他にも有名どころでは、クリストとその亡き妻ジャンヌ＝クロードのクロード夫妻は、建物や風景を布で包んだ大規模な屋外インスタレーションで世界的に知られています。
彼らの作品は一時的なもので、数週間後には撤去され、アートや人生のはかなさを際立たせているともいえます。
そしてこちらはジョン・レノンの妻オノヨーコの作品。
同様に、オノ・ヨーコのようなアーティストも、インスタレーション・アートを用いて、鑑賞者が作品の制作に参加するようなインタラクティブな体験を生み出してきました。
中国や日本の七夕文化のようなオノ・ヨーコの「ウィッシュ・ツリー」は来場者に願い事を書いた紙片を結びつけてもらう一連の木々を使ったインスタレーションです。
こちらはご存じ日本人なら誰もが知る身近な七夕飾りだが、見方を変えれば伝統的で世界最古のインスタレーションアートといえるかもしれない。
現在インスタレーションアートは美術界や一般の人々から賞賛と批判の両方を集めている。支持者は、その没入感や空間を変容させ、内省を促す方法を高く評価しています。
また、その刹那的な性質は、鑑賞者にユニークで時間の制約のある体験をもたらし、そのインパクトを高めることができる。
しかし、批評家たちは、インスタレーションアートが過度に概念的で、多くの観客にとってとっつきにくいものであるとも主張しています。ただそうしたことは他のアートや現代アートにもいえるでしょう。
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インスタ―レーションの特徴
また、インスタレーションはサイトスペシフィック、要するに場所限定的であることが多いため、従来の美術館やギャラリーでの展示が難しく、販売も難しいため、アーティストや施設に財政的な負担がかかることもアート以外の側面としては指摘されているようです。
またテクノロジーの進化に伴い、デジタルやマルチメディアの要素がインスタレーションアートに取り入れられるようになり、アーティストの表現方法や鑑賞者の作品との関わり方に革命が起きています。
プロジェクションマッピング、拡張現実、バーチャルリアリティは、この分野でますます一般的になっているわけです。
こうしたテクノロジーは、アーティストが光、空間、知覚を新しく革新的な方法で操作することを可能にし、物理とデジタル、現実と想像の境界線をさらに曖昧にするでしょう。
こちらイギリスのアーティストであるMat Collishawは、バーチャルリアリティをインスタレーションに活用しています。
彼の作品「Thresholds」は、1839年に開催された世界初の大規模な写真展をバーチャルリアリティで再現しました。
来場者はVRヘッドセットを装着し、19世紀に開催されたであろう展覧会を探索することができるのです。
ジェームズ・タレルやダン・フレイヴィンなどのアーティストが、光を媒介としたインタラクティブな光のインスタレーションも人気を博しています。
タレルの作品は光と空間を操り、鑑賞者の知覚を変化させる没入型の体験ができるものが多い。一方、フラビンは、市販の蛍光灯を使ったインスタレーションで知られ、様々な配置でドラマチックでカラフルなディスプレイを作り出します。
音もまた、多くのインスタレーションにおいて重要な要素となっています。ジャネット・カーディフのようなアーティストは、音を使って没入感のあるオーディオ体験を作り出しています。
彼女の「オーディオ・ウォーク」は、参加者を物理的な空間へと導き、現実の環境に架空の物語を重ね合わせ、空間の捉え方を変化させます。このように視覚没入型のイメージが一般に強いインスタレーションアートですが、没入型であればカテゴリー的にはインスタレーションアートといえるでしょう。
昔あったヘッドマウントディスプレイのゲーム機、任天堂のバーチャルボーイや、愛知での万博、愛・地球博の360度スクリーンの日本館なども広義では含まれるかもしれません。
社会問題も環境問題も、なんでもありのインスタレーションの世界
環境問題や社会問題は、21世紀のインスタレーションアートのもう一つの焦点となっています。
アーティストたちは、気候変動や公害、社会的不公正などの問題を作品を通じて訴えています。そのようなアーティストの一人がオラファー・エリアソンで、彼のインスタレーションはしばしば自然の要素を含み、知覚と環境意識のテーマを探求しています。
インスタレーションは作品の制作に型破りな素材や手法を取り入れることを可能にします。
例えばファウンド・オブジェクトは消費主義や廃棄物、ありふれたものを芸術作品に変えるというアイデアを探求する方法として、インスタレーションにしばしば採用されます。
ダミアン・ハーストやトレーシー・エミンのようなアーティストたちはファウンド・オブジェクトを効果的に使用し、何がアートであるかという鑑賞者の概念に挑むことが多い。
先ほど述べたサイトスペシフィックな側面を取り上げれば、より場所と相互作用的にアーティストが周囲の環境から要素を取り入れたり、場所そのものに手を加えたりすることもあります。
ロバート・スミッソンやマイケル・ハイザーのようなアーティストは地球そのものを媒体として、人里離れた場所に記念碑的な作品を制作しました。
また、インスタレーションアートの分野は、パフォーマンスアートと頻繁に交差し、観客の存在だけでなく、観客が参加する没入型の体験を作り出します。
マリーナ・アブラモヴィッチの作品は、その一例です。
彼女の作品「The Artist is Present」ではニューヨーク近代美術館のアトリウムで、彼女が動かずに座っている間に、一般の観客が彼女の向かい側に座り、非言語的なやりとりをするよう誘われました。
他にもアイ・ウェイウェイの作品「ひまわりの種」は、手描きの磁器の種を何百万個も使ったもので、大量生産、個性、素材の歴史的・文化的意義の問題に注目させ社会問題に取り組むものでした。
このように空間全体を使って、本当に多種多様なことが行われているのがインスタレーションアートというアート領域です。伝統的な領域のアートも味わい深いものですがインスタレーションはまさにフロンティアともいえる活気を近年ずっと見せているといえるのではないでしょうか。
備考
環境とアラン・カプロウ
アラン・カプロウ（1927-2006）は、アートと生活の境界線を曖昧にした「ハプニング」と呼ばれる前衛的なアートイベントで知られるアメリカのアーティストである。
カプロウの環境に関する仕事は、このコンセプトの延長線上にあり、参加者をアート制作プロセスに巻き込む没入的でインタラクティブな空間を作り出した。
キーコンセプト カプローの「ハプニング」と環境は、参加、即興、パフォーマーと観客、アートと生活の境界線の破壊を強調した。アートを日常的な文脈に溶け込ませ、身近で体験的なものにしようとした。
環境芸術： カプロウの作品は、環境保護主義そのものというよりは、人間の相互作用のための環境づくりに重点を置いていたが、彼のアプローチは、生態系の問題に取り組んだり、自然の風景や素材を作品に統合しようとする、後の環境アートに影響を与えた。
クレス・オルデンバーグの彫刻
クレス・オルデンバーグ（1929-2023）はスウェーデン系アメリカ人の彫刻家だ。
日用品の大型レプリカを使ったパブリック・アートのインスタレーションで知られる。彼の作品は、芸術、消費文化、建築環境の交差点を探求するポップ・アート・ムーブメントと関連している。
主な作品 代表作に “Spoonbridge and Cherry”（クシェ・ファン・ブリュッゲンとの共作）、”Clothespin “などがある。これらの彫刻はしばしばスケールやコンテクストと戯れ、ありふれたものを印象的な視覚的ランドマークへと変貌させる。
インパクトがある： オルデンブルクの彫刻は、公共空間や消費物に対する認識を覆し、ありふれたものが持つ文化的意義について大胆な主張を行っている。彼の作品は、日常生活の美学や公共の場における芸術の役割について再考するよう見る者を誘う。
マット・コリショー
マット・コリショーは、写真、彫刻、インスタレーションを手がけるイギリス人アーティストである。
1980年代後半から1990年代前半にかけてのヤング・ブリティッシュ・アーティスト・ムーブメントから生まれたコリショーの作品は、しばしばダークなテーマを掘り下げ、美、暴力、欲望の交差点を探求している。
主なテーマ コリショーのアートは、人間の本質や歴史の暗い底流を頻繁に検証しており、現代的なテクノロジーと古典的な美学を用いて、社会や人間の条件に関する不快な真実に立ち向かっている。
注目すべき作品 Bullet Hole（弾丸の穴）」やVR技術を使った没入型インスタレーションなどの作品は、イメージの魅惑的でありながら不穏な性質と、それが鑑賞者の知覚に与える影響に対する彼の関心を例証している。
ジャネット・カーディフ
ジャネット・カーディフはカナダのアーティストで、パートナーのジョージ・ビュレス・ミラーとともに、ユニークな方法で観客の感覚を刺激する没入型マルチメディア・インスタレーションやオーディオ・ウォークを制作することで知られている。
オーディオ・ウォーク
カーディフのオーディオ・ウォークは参加者はヘッドフォンで彼女の声に導かれながら特定の場所をナビゲートし、現実の環境と物語やサウンドスケープを融合させる。これは、現実と虚構の境界線を曖昧にし、深く個人的で幻惑的な体験を生み出す。
インスタレーション作品：彼女のインスタレーションは、しばしば音を取り入れ、記憶、知覚、時間の流れを探求する、喚起的で多感覚的な環境を作り出す。
アートとの直接的な関わりを求めたカプロウの先駆的な「ハプニング」から、公共空間を破壊するオルデンバーグの遊び心、コリショーの挑発的なビジュアル・ナラティブ、カーディフの没入感のあるサウンドスケープまで観衆に新しい感覚を与えるものといえるだろう。
ジェームズ・タレル
ジェームズ・タレル（1943年5月6日生まれ）は主に光と空間をテーマとするアメリカのアーティストである。
彼は、空間と色彩に対する鑑賞者の知覚を変化させる没入型のアート体験を創造することを目指している。
タレルは、アリゾナ砂漠にあるローデン・クレーターという広大で進行中のプロジェクトで最もよく知られている。このプロジェクトでは、自然の火山クレーターを巨大な肉眼天文台に変貌させ、特に天空光、太陽、天体現象を見たり体験したりするために設計されている。
彼の作品はインスタレーションでいえば特に「スカイスペース」（空を見るために天井に開口部を設けた密閉空間）が有名だ。見る者を知覚の本質について考えさせ、光や周囲の環境との瞑想的な相互作用に誘う。
オラファー・エリアソン
オラファー・エリアソン（1967年生まれ）はデンマーク・アイスランド出身のアーティスト。
光、水、気温などの要素素材を用いた彫刻や大規模なインスタレーションで知られる。
エリアソンは作品を通して、人と環境との関係を探求し、鑑賞者にアートの知覚と創造における自分の役割をより意識させることを目指している。
彼の最も有名なインスタレーションのひとつに、ロンドンのテート・モダンで展示された「The Weather Project」（2003年）がある。この作品は、何百もの単色ランプでできた巨大な半円形のフォルムが太陽を模した暖かい光を放ち、美術館のタービン・ホールを一変させる魅惑的で没入感のある環境を作り出した。
ダミアン・ハースト
ダミアン・ハースト（1965年6月7日生まれ）はイギリスのアーティストで1990年代のヤング・ブリティッシュ・アーティスツ（YBAs）ムーブメントの中心人物である。
生、死、死生観をテーマに、しばしば型破りな素材を用いた挑発的な作品で知られる。彼の最も有名な作品のひとつは「The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living」（1991年）で、これはガラス瓶の中でホルマリン漬けにされたイタチザメの作品である。
作品はしばしば芸術の本質、アーティストの役割、美学、科学、哲学の相互作用をめぐる議論を巻き起こす。ハーストの作品は、インスタレーション・アート、彫刻、絵画、ドローイングと多岐にわたる。
トレーシー・エミン
トレーシー・エミン（1963年7月3日生まれ）は自伝的で告白的な作品で知られるイギリスのアーティストである。ヤング・ブリティッシュ・アーティスツ（YBAs）のもう一人の有力メンバーだ。
彼女の作品はドローイング、絵画、彫刻、映画、写真、ネオンテキスト、縫い付けのアップリケなど、幅広いメディアを網羅している。
彼女の代表作のひとつに「My Bed」（1998年）がある。これはインスタレーション作品で、人間関係のトラブルから自殺願望を抱くようになった彼女が、数日間過ごしたベッドに、作りかけの汚いベッドを置いたものだ。作品にはウォッカの空き瓶、タバコの吸殻、汚れたシーツ、使用済みの下着などが含まれていた。
作品を通して愛、性、喪失、アイデンティティといったテーマを、しばしば非常に個人的で傷つきやすい方法で探求し、芸術に対する伝統的な概念や、芸術家の人生の親密な側面における大衆の役割に挑戦している。
